Как благодаря меценату в Семее появился музей Невзоровых

Откуда в Семее появилась такая коллекция, почему музей носит название семьи Невзоровых, и какие произведения здесь представлены корреспонденту BaigeNews.kz подробно рассказала ​экскурсовод, младший научный сотрудник художественного заведения Анна Шевцова​.

Щедрый меценат из России подарил более полутысячи предметов искусства

То, что сегодня известно как Музей имени семьи Невзоровых, изначально был отделом при Краеведческом музее в 1985 году, а в 1988 году стал самостоятельным художественным музеем. Коллекция сначала была небольшая, что-то музею дарили, что-то он приобретал сам. И когда Невзоров подарил часть своей коллекции, это стало весомым пополнением коллекции — почти все работы, отданные им, находятся в постоянной экспозиции на втором этаже. Пополняет фонды и сам музей.

Здание Музея имени семьи Невзоровых — это архитектурный памятник Семея, который был построен в конце XIX века купцом Федором Степановым. Это был его личный жилой дом.

"Его дом был островком культуры, в котором собирались образованные люди, проводились благотворительные концерты. Степанов был очень эрудированным и начитанным человеком", — рассказывает экскурсовод музея.

До этого музей находился на одном этаже жилого здания по соседству. И когда музей получил это здание в 1998 году, оно по духу очень подошло к его атмосфере, ко времени, которое представляется в произведениях искусства, которые были на тот момент в его фондах.

"Дарителями основной части коллекции считается семья Невзоровых, именем которых и назван музей. Это Юрий Владимирович Невзоров, его супруга Антонина Михайловна и дочь Юлия Юрьевна. Самого Невзорова и его супруги уже нет в живых. Их дочь сейчас живет в Москве, она искусствовед по образованию", — поясняет Анна Шевцова.

У входа в залы музея висит портрет, на котором изображен Юрий Владимирович Невзоров. Московский коллекционер подарил музею более 500 произведений изобразительного искусства. Сам он не был художником, он был инженером-мостостроителем.

"Он хорошо зарабатывал, но все свои деньги постоянно тратил на приобретение предметов искусства. Он сам хорошо знал историю искусства. Очень любил и разбирался в живописи. И в основном коллекционировал русское искусство. Когда он сделал свой подарок, музей был еще молодым", — рассказывает работница музея.

Мифы и легенды западной Европы

В первом зале, в котором мы оказались, собрана западноевропейская живопись. Здесь представлены работы художников разных стран Европы, в том числе Голландии, Франции, Швейцарии. Эти работы не из собрания Невзорова, а были приобретены самим музеем или же были получены в подарок.

Здесь можно увидеть работы голландских мастеров XVII-XVIII веков. Их имена неизвестны. Художники погружают зрителей в эпоху того времени в Голландии. Можно увидеть моду того времени.

Также представлены работа 1891 года, написанная голландским художником-анималистом Дирком ван Локхорстом "Овцы".

"Видно, насколько фактурно он прорабатывает шерсть животных, золотистое сено. Мы как будто заглядываем в окно какого-то хлева и становимся свидетелями этого сюжета", — замечает экскурсовод.

Далее представлены французские мастера XIX века, чьи имена тоже неизвестны. Известно, что старые мастера часто использовали для своих работ сюжеты из мифов и легенд Древней Греции и Древнего Рима.

И здесь видно, как один из художников изображает древнеримскую богиню утреней зари Аврору.

"Люди верили, что когда она появляется на небе, на земле наступает утро. И ей помогает Гермес, который своим жезлом пробуждает все спящее на земле", — объясняет сюжет картины Анна Шевцова.

Англию XIX века в музее представляет Генри Энфилд. В своей работе под названием "Норвежский Фьорд" он изображает красоту природы Норвегии. Мастер даже в таком моменте как наступление грозы, шторма видит красоту, романтику и передает это на полотне.

Невзоровым также были приобретены предметы археологии и эти предметы тоже были подарены им музею.

"Они были найдены на раскопках древнего города Пантикапей (сейчас это территория города Керчь). Датируется они VI веком до н.э. — IV веком н.э. Это глиняные сосуды, тарелка, вероятно с печатью мастера, масляный светильник и различные фигурки", — рассказывает сотрудница музея.

Русский взгляд на Европу

Со следующего зала начинается русская живопись. Здесь находятся работы конца XVIII века. Именно тогда открылась Академия художеств в Санкт-Петербурге, первое значимое заведение, которое выпускало профессиональных художников.

"В то время было модно изображать вид зарубежного города, и здесь на картине Федора Алексеева "Вид города Флоренция" мы любуемся видом этого итальянского города. Хотя он сам там никогда не был, но пишет он город достаточно точно. Предполагается, что он скопировал вид города с какого-то рисунка или гравюры, уже досочинив композицию", — рассказывает экскурсовод.

Интересна история следующей работы, которая называется "Преподношение скипетра". Написана она была художником XVIII века Иваном Акимовым по заказу семьи камергера Мятлева. Полотно долгое время хранилось в семье заказчика, ее передавали из поколения в поколение. Уже в XX веке накануне Великой Отечественной войны ее продали, а новый хозяин взял и разрезал ее на 15 частей и продал их разным людям.

"Невзоров же когда-то видел эту работу в целом виде и был шокирован тем, что с ней делали. Он решил разыскать все фрагменты, но ему удалось найти только пять частей. Четыре из них сейчас находятся в Художественном музее в Иркутске — это родной город Невзорова, а один фрагмент в собрании Музея Невзоровых", — говорит сотрудница музея в Семее.

Нельзя здесь пройти мимо работы Сильвестра Щедрина — это один из значимых художников в русской пейзажной живописи. Он был одним из первых мастеров, который стал писать на пленэре на открытом воздухе, прямо с натуры, отвергая правила, которые были до него.

Мы видим работу, написанную в Италии, куда он уехал после учебу, влюбился в эту страну и остался там жить.

"Великий Карл" — так называли Карла Павловича Брюллова — известный исторический живописец, портретист, также писал работы на мифологические темы. Его работа середины XIX века "Диана, Эндимион и Сатир" — это эскиз, вариант его одноименного полотна, которое находится в Государственной Третьяковской галерее.

"Здесь изображена богиня охоты, она была очень красивой, своенравной. Клялась, что никогда никого не полюбит, но все же ее сердце пронзает стрела Амура. Она влюбляется в юношу, которого увидела в пещере. По одной версии она просто увидела его спящим, по другой — она сама его погрузила в сон, захотела им полюбоваться, но ей помешал Сатир — получеловек, полуживотное, шкодливое существо, который делал мелкие пакости людям и богам. Он ей мешает, пугает ее и все эти чувства отражаются на ее лице", — рассказывает экскурсовод.

В начале XIX века кроме пейзажей, сюжетных работ писали и портреты. В основном, портретирования были удостоены только знатные люди. Крестьяне, рабочие и другие люди из низких сословий не считались достойными. Одним из первых мастеров, который стал писать крестьян, был Алексей Гаврилович Венецианов. Он много своих работ посвятил жизни, быту, работе в поле. Одна из таких сцен — в его работе "Гадание на картах".

"Художник выполнил две похожие одноименные работы. Одна находится в нашем собрании, другая — в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге", — поясняет сотрудница музея.

Три следующих портрета принадлежат кисти известного русского портретиста Василия Андреевича Тропинина. Он сам был крепостным. Его хозяин граф Морков не хотел его от себя отпускать. Ему льстило иметь в своей власти такого художника. Но он все-таки дал ему вольную. На тот момент Тропинину было уже 47 лет. За свою жизнь он создал около трех тысяч портретов своих современников, писал с натуры Пушкина.

Художник Алексей Боголюбов совмещал две профессии. Он был моряком — закончил Морской кадетский корпус — и живописцем. Путешествия позволяли ему много видеть, бывать в разных странах и свои впечатления он использовал для написания своих полотен.

"Перед нами Венеция, один из прекраснейших городов мира. Боголюбов просто влюбился в этот город, когда впервые попал в него. Он делал множество эскизов, набросков. Затем их использовал в своих больших произведениях. Например, эта работа 1855 года "Вид Венеции (дворец дожей)" была написана в Риме по впечатлениям и рабочим наброскам", — рассказывает работница музея.

Живописец Арсений Мещерский также писал пейзажи. В XIX веке пейзаж обогащается настроением. То есть, если брать XVIII век, там изображались более сухие пейзажи местности.

"Здесь же мы может почувствовать настроение, ощутить атмосферу. Нам кажется, что автор хотел передать, чтобы мы почувствовали тишину, разлитую в природе. Мы видим гладкую поверхность воды, легкий туман над водой. Единственный герой здесь мальчик, который прибежал, чтобы понаблюдать за пробуждением природы", — поясняет Анна Шевцова.

Искусство о народе и для него

В следующем зале представлены работы русских авторов второй половины XIX века, в частности зал пестрит именами всемирно известных художников "передвижников". Это мастера, которые входили в товарищество передвижных художественных выставок. Оно возникло как бунт против навязанных академических правил и сюжетов. Эти художники хотели приблизить искусство народу, чтобы привить интерес и любовь простых людей к живописи.

"А что может вызвать эти чувства? То, что близко, рядом, то, что людям дорого — не заграница, а родная русская природа. Это жизнь, быт, каждодневные заботы крестьянина. Это и стало темой произведений передвижников. Они перевозили свои выставки из города в город по всей стране. Они и зарабатывали таким образом, и популяризировали искусство", — говорит сотрудница музея.

Иван Николаевич Крамской был основоположником этого товарищества. Здесь представлена работа его кисти 1880-х годов — "Портрет Веры Ивановны Анненковой".

"Известно, что в молодости она закончила Смольный институт для благородных девиц, выходила в свет, бывала на балах, была знакома с Пушкиным. Здесь изображена уже пожилая женщина, такой интеллигентный образ, образованный, одухотворенный. Рядом — его же букет цветов", — рассказывает экскурсовод.

Николай Ге — известный мастер библейского жанра. Как и многие художники, он писал на заказ. Сверху справа — заказной портрет его соседа помещика Данильчина.

Архип Куинджи считается мастером света. Он любил писать такие моменты, как закаты, восходы, полнолунные ночи.

"То насколько картины у него светились, можно понять с такой истории. Однажды у него была выставка одной картины "Ночь на Днепре". Это был полуосвещенный зал, люди туда заходили и видела, что, действительно, от работы исходил свет. Люди не верили, что так можно писать, думали, за полотном есть какая-то подсветка и особые краски использовались Конечно, это не так, просто художник был талантливый и умел передавать этот эффект", — рассказывает экскурсовод.

Алексей Саврасов — основоположник русского лирического пейзажа. Старшему поколению он всем знаком по его картине "Грачи прилетели".

"В нашем собрании три полотна этого автора — разные времена года, разные периоды жизни, когда он их написал. Избушка на берегу ручья — летняя пора. Зима в деревне — тоска, уныние, думы о судьбе крестьянства. И осенний вечер — лирическая работа", — перечисляет работы и их настроения работница музея.

Если у Саврасова мы наблюдаем пейзаж с березами и осинами, то у другого художника-пейзажиста Ивана Шишкина в приоритете дубы, сосни, ели. Его самого называли богатырем русского леса. У него всегда были панорамы, широкие просторы. Здесь представлены две его работы. Может, это и не узнается как Шишкин, но это его ранние произведения швейцарского периода.

Современником и в чем-то конкурентом Шишкина был Юрий Клевер. Он также писал лесные чащи, природные мотивы. Он запросто писал зимние закаты, как он говорил — закрытыми глазами. И вот его работа "Пейзаж".

"У этой работы есть своя особая история. Она могла погибнуть, пропасть, но тем не менее она дошла до нас. Эту картину привез в Семей в 30-х годах XX века доктор Бобов, который открыл и возглавил физиоинститут в этом городе. Он очень любил искусство, привез из России множество полотен, где остальные картины — неизвестно, а эта работа висела в конференц-зале физиоинститута. Но случился пожар и чтобы спасти картину, кто-то выбросил ее в окно. Затем ее передают в Центральную городскую больницу, где особого значения ей не придавали. Потом картину увидел один из местных художников, обратил внимание на подпись и работу потом передали в музей имени Невзоровых", — делится историей картины экскурсовод.

Со своей стороны добавим, что первый в Казахстане физиологический институт был создан в Семипалатинске в 1939 году доктором Василием Бобовым по личному распоряжению Наркома здравоохранения КазССР и сразу же завоевал огромный авторитет не только в Казахстане, но и в других регионах огромной страны. Опыт, наработанный в мирное время в институте, был широко применен во время Великой Отечественной войны в госпитале, открытом в этом же здании под руководством все того же Бобова. Этот неутомимый человек стоял у истоков организации в Семипалатинске медицинского института, который затем трансформировался в медицинский университет "Семей" (совсем недавно мы рассказывали об уникальном Анатомическом музее этого университета).

Но вернемся к художникам. Великолепный пейзажист Алексей Киселев представлен его работой "В горах Кавказа". Художник изображает известную вершину Казбек, рядом на скале находится Церковь святой троицы — его называют Гергетская церковь, по названию села, который у его подножья находится Гергети.

Николай Богданов-Бельский представлен двумя портретами — это парадный портрет супругов Рельц.

"Франц Рельц был известным промышленником, торговцем, у него была торговая фирма, он очень многого добился и стал обеспеченным человеком — это видно и по его одеянию, и по тому, что он мог заказать такие портреты. Прекрасно художник изображает аксессуары, детали одежды. Но самое главное всегда в портрете — лицо человека, передача не просто схожести, но и характера героя. И действительно мы можем увидеть и почувствовать то, каким он был в жизни — такой человек с деловой хваткой, целеустремленный, и жена видимо тоже была ему под стать", — рассказывает экскурсовод.

Здесь еще есть работы разных авторов, в основном представленные изображениями пейзажей. Все дело в том, что реалистический пейзаж был любимым жанром Невзорова, поэтому их в собрании так много. У него был даже девиз: "Только реалистическое искусство способствует восприятию прекрасного в человеке".

Первая половина XX века была в архитектуре и искусстве во многом переломной, хоть в чем-то и тяжелой. Произошла революция, перемены в умах людей. Все это отразилось и в искусстве. В это время появляется много художественных объединений — "Маковец", "Бубновый валет", "Голубая роза", "Мир искусства". В каждом объединении были свои цели, темы и жанры.

Николай Синезубов входил в "Маковец". В музее представлена его работа "Пробуждающаяся Венера". Венера была богиней красоты и любви, но здесь она выглядит как современница художника, как обычная женщина. Она тянется к кубку, который держит Амур. Мы привыкли его видеть в образе пухлого мальчика с луком и стрелами. Видно также, что драпировка выполнена в цвете запекшейся крови. Это все отражение настроения того времени.

Мир в черно-белом цвете

Если говорить о таком виде изобразительного искусства как графика, можно разделить его на авторскую оригинальную графику — это когда художник своей рукой один раз что-то нарисовал карандашом или акварелью и сам этой же рукой копию повторить уже не сможет, и есть тиражная графика — это гравюра.

"В основном, кроме одной работы, мы здесь видим гравюры в разных техниках. Гравюра — это когда создается печатная основа, а потом с нее идет оттиск на бумажный лист. При этом, можем получить большое количество оттисков и каждый из них считается отдельным произведением искусства. Например, гравюра на металле. Берется металлическая доска, покрывается специальным лаком, который выдерживает кислоту, и художник потом рисует по ней тонкой иголкой, процарапывая линии и точки", — объясняет экскурсовод.

И когда рисунок уже закончен, доска помещается в кислоту, и там, где нет защитного лака, металл протравливается в глубину. Доска вынимается и получается, все, что он процарапывает, превращается в такой углубленный рисунок на металле. Затем туда заливается краска, в получившиеся дорожки, полосочки, и под прессом на станке отпечатывается на бумаге. Тут можно даже увидеть вмятину от пресса. Это то, что называется офорт. Видов гравюр на металле очень много — акватинта, медерит, меццо-тинто, сухая игла.

"Есть также гравюра на камне — литография. Существует специальный литографский мягкий камень, на нем создаются изображения и потом печатается. Оно может быть черно-белым или цветным — когда из разных камней печатают разные цвета. Можно различать. В офорте там аккуратные штришки, на литографии такое ощущение, как будто углем нарисовано или мягким жирным карандашом — получается бархатистый эффект", — рассказывает сотрудница музея.

Также она поведала и о линогравюре — гравюре на линолеуме. В такой технике выполнена работа Иллариона Голицына "Портрет Фаворского". Фаворский был учителем Голицына. Владимир Фаворский был известным советским графиком, мастером книжной графики. Он работал над книгой от и до, от корки до корки, прорабатывая форзацы, заставки, буквицы и сами иллюстрации. Он работал в технике ксилографии — это гравюра на дереве. В музее представлены его работы — иллюстрации к различным литературным произведениям Шекспира, Пушкина. Также представлен портрет Достоевского.

В витрине представлены фигурки, которые были выполнены на Ломоносовском фарфоровом заводе, когда-то это был Императорский фарфоровый завод в Санкт-Петербурге. Он производит посуду. Это работы советского периода, 50-80-е годы. Они были очень модными, многие их собирали, дарили. Сейчас это уже считается антиквариатом.

30-летний постсоветский интернационал

В следующем зале представлены работы из фондов музея. Она посвящена 30-летию образования СНГ и здесь представлены художники разных постсоветских стран, таких как Грузия, Армения, Кыргызстан.

Здесь можно увидеть отражение разных национальных черт.

Также в этом зале представлена скульптура. В основном, это женские образы. Сделаны работы из разных материалов — дерево, бронза, мрамор.

Многоголосье временных выставок

Первый этаж занимает казахстанское искусство и сменные выставки. Несмотря на то, что залов в музее много, все равно невозможно одновременно выставлять всё, что хранится в фондах. Поэтому проводятся сменные выставки. Кроме того, проводятся выставки приезжих и местных художников. Так, в следующих двух залах представлены работы художника из Семея Айткали Мусанова. Эта выставка называется "Обретение имени" и приурочена она к годовщине его смерти.

"Для художественной среды города это было открытием, тем, что называется обретением имени. Потому что этот человек был очень скромным. Всю жизнь он проработал преподавателем, никогда не выставлялся на выставках, но творчески работал в стол. И его супруга после его смерти попросила сделать ему выставку. И действительно, мы его открыли для себя как талантливого художника", — рассказывает экскурсовод.

Мусанов был графиком и работал в технике тушь-перо. Здесь есть работы, на которых можно увидеть знаковые здания Семея — музей Абая, театр Достоевского, Ямышевские ворота, Технологический институт, аэропорт и герб города. Река Иртыш была раньше более полноводной в Семее и было активно движение теплоходов и пароходов — это тоже отражается в его графических листах.

Реалистичные изображения на его выставке смешаны с изображениями орнаментальными — это сложные, хитросплетенные композиции, исполненные в национальном стиле.

"Обычно у нас первый этаж занимает изобразительное искусство Казахстана из фондов музея. Но пока представлен только один большой зал, потому что в анфиладе у нас располагается временная выставка. Здесь можно увидеть работы большей частью казахстанских живописцев", — продолжает экскурсовод.

Далее видим тканный гобелен советского времени под названием "Ожидание". С помощью множества ниток художник повествует нам о девушке-невесте, которая ждет момента свадьбы, думает о будущем, какие оно будет — солнечным и радостным или тоскливым и печальным, а может это просто ее подруги, которые собирают ее на свадьбу.

В оставшихся залах — временная выставка, которая была посвящена Дню книги и составлены из работ, которые были созданы как иллюстрации для книг. Эти два зала — это работы из фондов музея имени Невзоровых.

В первом зале представлены казахстанские авторы, такие как Евгений Матвеевич Сидоркин. Это известный график, который родился и учился в России, и там же встретил свою будущую жену, будущую художницу Гульфайруз Исмаилову. Он приехал за ней в Казахстан и остался здесь жить. Казахстан стал для него второй родиной.

"Он впитал в себя дух казахского народа и очень талантливо иллюстрировал различные казахские литературные произведения, казахский эпос, а также "Путь Абая", который он иллюстрировал и в гравюре, и в литографии. Сидоркин сотрудничал с Мухтаром Ауэзовым и получил одобрение автора этого романа. Здесь он представлен другими работами. Например, иллюстрации к произведениям Салтыкова-Щедрина, Франсуа Рабле", — рассказывает сотрудница музея.

Здесь также представлены графические работы Владимира Лебедева. Он сотрудничал с Самуилом Маршаком и иллюстрировал его произведения. Здесь можно увидеть и его рабочие моменты, эскизы, а также финальные работы.

В следующем зале проходила выставка молодой алматинской художницы книжной графики Ассоль Сас.

"Если мы до этого смотрели работы, которые были оригиналами, здесь представлены репродукции. Иллюстрации ее были увеличены и в таком виде выставлены. Она иллюстрирует литературные произведения казахстанских, русских и зарубежных авторов. Например, Ермека Турсунова "Мамлюк". Первый зал в основном заполнен черно-белыми работами, а следующий зал с ее иллюстрациями — очень яркий, цветной", — описывает выставку экскурсовод.

В следующем зале можно увидеть иллюстрации к роману Бахытжана Момышулы и Юрия Серебрянского "Черная звезда".

Пожалуй, этими прекрасными иллюстрациями Ассоль Сас к роману умнейшего Бахытжана Момыш-улы и мастера метафорической прозы Юрия Серебрянского, описывающего непростой путь к просветлению принца Черная Звезда, этими образами соборной головы и исчезающей в мудрости кормилицы-волчицы — и стоит завершить наш небольшой экскурс по залам замечательного казахстанского музея, который сквозь универсальную призму прекрасного в преддверии 30-летия независимости РК продолжает дарить чувство сопричастности к становлению отечественной истории культуры.

Фотографии Артема Чурсинова